‘壹’ 导演、监制、制片人、出品人的工作是干什么的
导演、监制、制片人、出品人的工作是干什么的
大家听着这些词都觉得高大上，那么导演、监制、制片人、出品人的工作是干什么的?在跟随我一起去看看吧!欢迎阅读!
一、导演
首先，导演大概干嘛大家有基本的概念了吧?大家都知道他是主要的创作者，编剧、演员、摄影、剪辑等分工都是为他的创作服务的(当然理想状态下各技术部门也都是在进行艺术创作)，我再说些在片场和制作期的具体的执行方法。选角就不说了。
对于编剧，导演要审定编剧撰写的情节的可行性和连贯性，将其转化为有画面感的叙事构图形态(因此最好要亲自画分镜头，大家都看过那个姜文、徐克等人的分镜对比图吧，一部分绘画功力不足缺乏构图概念的导演就会雇人画分镜)，然后判断编剧撰写的台词是否符合角色和情节需要，大部分导演会在片场亲自修改具体的台词(部分擅长即兴表演的演员也会修改，前提是他具备这个权限或导演很欣赏他的修改)。
对于摄影(摄影指导)，导演要提供分镜构图、景别要求、镜头长度等具体要求，然后由摄影指导、掌机摄影来掌镜，将导演要求的整场戏(整个镜头)拍出来，部分摄影出身的导演如张艺谋偶尔会亲自掌镜，多数导演则只会呆在监视器前看拍摄效果。像昆汀这样的野路子影迷导演，都是用类比的方式(我要一个某某片某某场景的镜头)提要求，而且号称不拍只导(也就是不会同一个场景拍一堆素材，后期剪辑机房挑去)。
对于演员，导演要为其说戏，讲明演员在接下来要表演的一个场景或镜头中用何种情绪、眼神、表情、语气来表演(走位、说台词、肢体动作)，大部分导演会提出明确的表演要求或为演员讲述角色的真实状态，而部分演员出身的导演如姜文会不给演员太多条条框框任其自由发挥，极少数特别擅长指导演员表演的导演如李安会直接做出示范建议(这也是王力宏这样的烂演员勉强也能演得凑合，章子怡这样表演方法上不适合玉娇龙的演员也能演得出彩的重要原因)。
对于剪辑，导演在提出自己基本的创作思路、明确的故事线和重点情节后，理论上应该把一堆素材扔给剪辑让他慢慢筛选，然后再审阅提出修改意见。比如张叔平剪王家卫电影是最典型的化腐朽为神奇的过程，王家卫电影素材多如牛毛(因为丫想一出是一出，随便拍，而且说实话王家卫拍戏的作家感强而画家感很弱，王家卫+张叔平才是完整的创作)，演员在看到成片前根本不知道自己演的那么多戏到底能保留哪些(所以就有过王祖贤、关淑怡的倒霉经历);而像姜文这样的绝对控制者(暴君)，大部分剪辑师是较难100%领会和完成他的叙事意图和节奏的，所以姜文一般会亲自上阵。由于中国的导演中心制，大部分导演都不放剪辑权给片方(出品方)亲自剪，可很多导演，比如陆川，对类型片叙事节奏是不懂的，就会折磨死观众。哦对还得提一下野路子大师昆汀，他在剪辑机房里不会说那些术语什么的，就直接跟他的御用女剪辑师塞利·蒙克(已故)说我要某某片某某镜头那样的效果，真正的审美天才。
对于其它部门，导演主要是提出要求然后审查proction质量，如艺术指导proction director要提供整体的场景服装道具的设计，是体现导演美学表达的主力环节，大部分导演的个人风格都很依赖艺术指导来提供色彩支撑。说句题外话，大家经常吐槽剧本差(其实就是基于点子赶工的产物，没经打磨)，其实其它技术环节才是中国电影最落后的部分，灯光、道具、爆破等部门都是些草台班子甚至电工，没有任何审美可言，我曾经听过某大牌演员吐槽某剧组的服装组工作人员，拿出一堆衣服只有一件靠谱，还好导演还是配得上自己的名气挑的就是那件能看的，演员才长舒一口气。
现实中，由于整体上还是导演中心制，中国的导演自己经常不挂制片人头衔却做着制片人的事儿。特别是很多大牌导演，本人就是电影摄制和制作公司的老板，除了钱不是自己掏的，整个班子就是自己搭的，也就是说，中国的导演很多都是实质上兼任着制片人的职责的，这在好莱坞虽然也很常见，比如卢卡斯自己就是星战系列的出品人、制片人和导演，但好莱坞会通过合同明确职权(分成也要根据职权分开算，投资出品、亲自制作、担任制片人、担任导演、担任编剧，总之干一份活拿一份钱)，而中国导演在自己的电影前面很少在制片人中列上自己，近年来很好笑的是反而喜欢把自己列到出品人里去(比如周星驰)。
二、监制和制片人
接下来就说说制片人和监制，这两个一起说。目前的中国电影行业工业化标准化水平之低其实非常令人发指，就看很多电影的片头就能看出来，在导演主演和主要技术部门的director之前，挂了一大堆人名和头衔，名目繁多令人眼花缭乱，不说公司名，仅是人名头衔就包括出品人、联合出品人、监制、制片人、执行制片人、总策划、策划等一大堆头衔。
首先，正如张小北师兄在本题中的答案所说，监制是个引自香港电影工业体系在内地又产生了变体的仔细想想很搞笑的概念。香港出现监制概念，起源于大牌导演演员纷纷脱离大公司自组公司，如王晶文隽刘伟强的最佳拍档，这三人的组合中，文隽编剧刘伟强导演，王晶就担任监制，而三人其实都是公司老板(大股东)和项目的执行manager，也就都是出品人和制片人，所以王晶的监制头衔约等于但稍微工作量少于现在美剧常见的创作人Creator概念(如Lost迷失就是Created by JJ，目前在知乎上大家都知道的House of Cards的Creator就是David Finch大卫·芬奇)，提供概念设想和大的建设性意见，会参与剧组重要决策，但不负责具体的剧本创作和导演拍摄。
而今天内地的监制，如刚离开华谊兄弟的陈国富，相当于一个剥离了制片人的审核预算把控流程进度等财务和资本运作职能，保留平衡导演的艺术创作和电影的商业属性职责的瘸了腿的制片人。目前在华语电影界，能够担任监制职位的一般本身就是导演或编剧(少数是演员，如徐峥为多部喜剧片当过监制)，且制作商业片的经验较丰富，仔细琢磨有点像美剧剧组中排在第二三位的executive procer(注：排在第一位的Executive Procer有两种情况，一种是其实很少参与剧组实际制作流程的挂名的大牌，比如正在NBC播出的Revolution挂的是JJ艾布拉姆斯的名，CBS台的大部分罪案剧都挂着杰瑞·布鲁克海默的名;另一种是制作人或创作人Creator，如前面提到的《纸牌屋》的大卫·芬奇和第一季《行尸走肉Walking Dead》的《肖申克的救赎》导演弗兰克·达拉邦特，也就是Show Runner)，会常驻剧组，监督导演的拍摄进度和创作思路，可能还兼任编剧甚至代班导演的活儿，最典型的除了陈国富在华谊的几个代表作，特别是《画皮2》和《狄仁杰之通天帝国》(兼任了编剧)，再就是《十月围城》中陈可辛扮演的角色(《十月围城》陈可辛亲自兼任了一部分戏份的导演)。
再说制片人，实际上，原来在香港工业体系里存在的监制，很接近现在我们谈论的`制片人的概念，也就是说，不仅要懂创作(最好自己有创作经验)，还要懂财务把控、商业运作，最重要的是他应该是一部戏作为商业项目开始运作的最初发起者。在好莱坞，能够担任制片人的人，一般拥有自己的制作公司，和六大制片厂有一定的固定合作关系，每年要亲自审核并参与制作和监控很多部影片，在商业制片领域也就是以票房论英雄的大片中，真正的大佬制片人的权力仅次于制片厂的主席，远大于绝大多数导演和演员。
举个典型例子，Jerry Bruckheimer 杰瑞·布鲁克海默，迪士尼影业的金牌合作者，CBS罪案剧的主要来源，旗下拥有杰瑞·布鲁克海默影业和杰瑞·布鲁克海默电视，分别在电影和电视制作领域举足轻重，他手上直接把控的品牌包括《加勒比海盗》系列、《绝地战警》系列、《国家宝藏》系列、《壮志凌云》(可能的系列)等热门电影品牌，《珍珠港》、《勇闯夺命岛》等卖座大片，《CSI》和《Amazing Race》两大电视品牌。为何说以他为例最为典型呢，因为他制作的最为成功的电影《加勒比海盗》系列，并不是先有剧本或现成的人物，而是来源于他作为制作人和制片人的灵感迸发，也就是说，他看到迪士尼乐园里的加勒比主题就想要以此为灵感来源拍一部电影，于是用命题作文的形式召集编剧人马开始创作，在他的灵感主导下诞生了剧本后首先确定了男主角的疯癫气质和德普这个主演，然后再选择了导演Gore Verbinski 戈尔·维宾斯基执导组建剧组，组建cast选角导演团队(注：好莱坞有专业的负责试镜选角的卡司导演，干的是比国内的副导演高级得多的活，权力不小)，选中新人凯拉·奈特利和当红小生奥兰多·布鲁姆等等。也就是说，整个项目的发起点是他。而这也是导演中心制和制片人中心制最大的不同。
可能很多人会说好莱坞很多大导演，比如詹姆斯·卡梅隆也是项目发起者，其实那是他作为制片公司老板和他的制片人搭档兰道一起担任了制片人。而中国的导演由于大部分都是自己的公司或工作室发起项目然后寻找投资和发行公司也就实质上自己兼任了制片人，很少会接大公司(华谊等)的命题作文(乌尔善接《画皮2》乃至之后万达的《盗墓笔记》、华谊的《封神榜》就是典型的命题作文)，所以全职的具备商业和艺术两方面技能的布鲁克海默式的制片人极其少见，而张伟平和王中磊这样的出品人兼任制片人的情况却屡见不鲜。
陈国富在华谊期间实质上只有内地式监制职能，他和王中磊加在一起才是华谊的制片人Procer。要靠近好莱坞体制，最合理的方式是，王中磊担任Executive Procer“总监制”或“总制片人”代表出品方的二号人物，陈国富(现在应该说是陈国富的接替者了)担任Procer制片人。历史上，华语电影也不是没有成功经验，在香港，从《英雄本色》开始，徐克效仿卢卡斯只担任制片人(当然那时香港都叫监制，而且施南生实际上才是负责商业部分的，相当于王中磊)让吴宇森和程小东执导的《英雄本色》1&2、《笑傲江湖之东方不败》、《倩女幽魂》、《新龙门客栈》等都是经典，相反他们拆伙后徐克自己上阵反倒拍得烂。相信陈国富离开华谊后，以自己工作室的形式与华谊、万达等合作时，将会更具主动性，应该会有当年徐克的效果。陈可辛是除了陈国富之外最想成为这样的制片人的电影人，但由于现在还克制不住自己上阵拍片的冲动，短期内他还成不了，而且他现在投资回报率方面比陈国富差得太远，就快没人投钱给他了。另一个有经验的人当然是王晶，他也是采用吕克·贝松模式做了很久的投资方、制片人、监制的，近两年复出导演(而且也和贝松一样拍不好了)其实属于白费力。像刘伟强、陈嘉上这些香港导演，如今其实都失去了创作能力了，但他们都熟悉商业类型片的规律，如果全都转型制片人其实前途不错。内地电影人中，除了徐峥这样的奇葩(演员-监制-导演兜圈路线)，目前还看不到几个具备从创作领域转型制片人能力的人，也许宁浩和几个编剧有戏?
扯个题外话，一部好莱坞电影和一集美剧一般只有一个导演署名(罗伯特·罗德里格斯为了让弗兰克·米勒署名《罪恶之城》还退出了工会)，但制片人(助理制片人、线上制片人、协作制片人、顾问制片人等)有可能会有一大堆，头衔包括procer、executive procer、co-executive procer、co-procer、associate procer、line procer、consulting procer、supervising procer、financial line procer等，等咱们这这些职衔都全了也分工明确了，真正工业化就不远了。
顺着题外话说回来，之前那个问line procer的问题里，其实内地一般把这个负责流程的人叫执行制片(不带个“人”字儿差别就大了，署名时会给你个“人”做)，或者更老派的剧组叫制片主任，一般这个人是监管一切杂务的，包括车辆调配、日程安排、群演等等，偶尔还能管主要演员招募，别看这是个杂活，其实这种后勤部长的职位都是投资方的嫡系担任，因为这个人其实是掌握很大的财权的，剧组的日常开销都从他这走，流程进度也是由他替投资人盯着(当然投资人如果有私货塞进来他得保证能实现)，有种出品人的监工的味道。由于现在很多公司和明星工作室的核心力量都是办公室做宣发的人马，所以一些宣传领域的宣传总监和明星经纪人就从下游向上游进入了，当然因为宣传领域主要都是渠道性的工作(对于剧组来说，宣传的那点创意营销不足以称作内容创作)，所以很多宣传领域的人转入制作上游，入手的工作都是类似的执行制片或助理制片人工作，特别是陈可辛、姜文等导演工作室的负责人luyao和yanyunfei这样的，现在在剧组里就成了兼任制片人(甚至还是投资方)的大牌导演aka剧组皇帝的大内总管，并逐渐开始真的分担一些前期的制片策划剧本审阅的核心工作。这也是我们从事营销宣传向上游发展的最佳路线。
三、出品人
最后说说出品人。这玩意是中国特产，美国只署出品公司presents，老板们不凑这热闹(当然像韦恩斯坦的公司就叫自己名另说)。其实就是出品方(投资方)的法人代表，比如出品有中影集团，那韩三爷就是出品人。如果某公司只是投了一小部分钱，那他就是联合出品，法人代表挂联合出品人。还是以华谊兄弟为例，王中军目前基本只在出品人的栏里出现，而王中磊一般都是挂制片人。近年来有个好玩的趋势就是会在出品人栏里出现刘德华、周星驰、成龙这些人，其实一般意味着他们是影片的主要投资人之一。像去年五一档的《匹夫》，敬爱的黄晓明老师就是出品人，因为他投资了嘛。正上映的《厨戏痞》黄渤刘烨张涵予应该都是出品人吧，因为他们都拿片酬入股了。陈坤老师好像也做过出品人了吧?
‘贰’ 威力导演的各种素材 各类片头素材
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‘叁’ 如何理解“导演摄影”
一般导演在拍摄时，都会有分镜脚本或故事版绘图，摄影师根据这个来进行理解，完成机位分布工作，摄影师充分理解导演的意图后，来控制镜头的节奏，分条进行素材拍摄。有的电影全靠摄影师就可以完成电影的艺术表达，像那些长镜头文艺片，有的电影却需要多机位混剪，这时导演和主摄影师就要把控所有机位，这种电影多半是动作片这类的商业电影，最终能做出精彩视频的是剪辑师。
好的导演一定是能把控摄影镜头语言的高手，他不一定要去操作复杂的摄影机，好的摄影一定是理解剧本艺术表达的高手，并且可以二度创作的艺术家，这样摄影和导演之间可以在创作时相互弥补，相互升华，共同监督剪辑合成。
当然，电影的导演，摄影，剪辑等主创应该都是多面手，连音乐，美术这些每个环节都能精通，都应该可以理解，这也才能达到合作。现在国产影视为什么不好看，一般是导演的想法很奇怪，比如像姜文后来那些莫名其妙的作品，或者像一拍水浒就要表现潘金莲是受害者那种。摄影么感觉就像影楼出来的那种，拍帅哥美女拍多了的那种。所以有的导演就自己做摄影，有的摄影就自己做导演了。
‘肆’ 威力导演 背景图片
将背景图片（或视频素材）放入主视频轨，调长时间段，再将其他图片素材或视频素材放入该背景图片时间段下面的画中画轨中，你再点中素材进行修改，可以调整位置、大小、方向及进入画面的移动路线、方式等。
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：邓超，1979年2月8日出生于江西省南昌市，中国内地男演员、导演、配音、歌手、主持人、投资出品人 。1995年，考入江西艺术职业学院话剧班，1998年，考入中央戏剧学院表演系，毕业后编入中国国家话剧院 。 2000年，首次拍摄电视剧《黄沙下面是沃土》。2002年，主演电视电影《当爱情失去记忆》 ，之后在《少年天子》饰演顺治皇帝成名 [5-8] ，接着在《少年康熙》、《明末风云》、《天下第一》接连饰演皇帝被称为“皇帝专业户” [9-10] 。2005年，主演电视剧《幸福像花儿一样》 [11-12] 。2008年，主演张纪中版金庸武侠剧《倚天屠龙记》 [105-106] 。2059年，主演都市情感剧《相爱十年》。
‘柒’ 导演应该具备哪些基本素养
导演应该具备哪些基本素养
专业人员就需要有专业的素养，那么作为一个导演，最基本的素养有哪些呢?下面是我为大家收集的导演应该具备哪些基本素养作文，仅供参考，大家一起来看看吧。
一、筹备阶段
1、研究剧本
摄制组建立后，应组织主要创作人员研究和分析剧本以及查阅与剧本相关的文字资料与形象资料。并在摄制组内进行讨论，目的是深入理解剧本，为剧本找到恰当的表述形式，达到统一认识和统一思想，以便齐心协力为实现导演的构思和意图，为把剧本体现在银幕或屏幕上共同奋斗。
2、遴选演员
这是一项非常重要的工作，有人说演员选对了，戏就成功了一半。这话有一定的道理。因为电影或电视剧中的人物形象是靠演员创造的，演员自身的角色直接与观众见面，所以演员的得失成败也关系着整部戏的得失成败。
中国文艺界有一句经验之谈，叫“戏保人”和“人保戏”，就是剧本好，戏写得好，就可以给演员的创造提供施展才华的充分空间，同样的道理，假如选到了好演员，一般的戏，也可以借助演员的功力，经过演员丰富和精心的创造，把角色演得栩栩如生，光彩照人。所以好的剧本如能选到好的演员，更能为剧本锦上添花。
3、写作导演阐述
导演阐述是导演对未来影片或电视剧描绘的蓝图，是导演创作意图和完整构思的说明，也是导演的纲领性的整体设计。导演阐述的写作，并无固定的模式，由于导演的个性和风格各异，所以有各不相同的写法，有的写得非常具体细致，甚至涉及到每场戏的构思和设计方案;有的则是提纲挈领地只谈主要问题。所以不必拘泥于一种格式。从内容看，一般包括以下几点：
⊙对剧本的立意、主题思想、时代背景等方面的阐释
⊙对剧中主要人物的分析
⊙对剧中矛盾冲突的理解和把握
⊙对未来影片风格样式的定位，对节奏的处理
⊙对表演、摄影、美术、化妆、服装、道具等创作的构思和造型设计的要求
⊙对音乐、录音、剪辑等各创作部门的提示
⊙对剧中需要运用特技处理的部分提出要求，以便与特技部门协商处理
以上各点不必面面俱到。由于剧本的内容和题材的不同，加之导演的素质和风格各异，可以根据自己独特的理解与认识加以阐述。但应力求明确、生动、具体，富有吸引力和说服力，并能鼓舞摄制组全体成员的创作热情和积极性，同心协力，完成摄制任务。
4、选景
景物是为情节的发展以及人物的活动提供具有典型性和表现力的造型环境。它对营造生活气息和艺术氛围都是至关重要的。以景生情，以情托景，达到情景交融的境界，都和选景以及美工对景的设计有关。一般来说，室内景应由美工根据剧本的内容和导演意图进行设计，经导演审定后在摄影棚内进行搭建。搭建的布景既能达到导演的理想要求，又有利于拍摄。现在的情况是，常常因经费不足，加之搭建的布景工艺不过硬，容易暴露出虚假的痕迹，所以有许多导演将内景外拍，也就是放到实景中去拍摄。
因此，内景、外景都要到外面去选。导演在选取场景时，切忌用自己想象中幻化出来的环境去现实生活中的环境。这种幻化出来的理想环境，在现实中是很难找到的。因此，内景、外景都要到外面去选。导演在选取场景时，切忌用自出来的环境去现实生活中的环境。这种幻化出来的理想环境，在现实中是很难找到的选景时，一定要从实际出发，要将自己想象中的环境向现实中的一旁上靠。场景不可过于分散，要尽量集中，以避免因转移场景太多，距离太远，而浪费拍摄时间和增加经费开支。
5.创作分镜头剧本
分镜头是导演用于现场拍摄的蓝本和依据，也是导演为文学剧本的二度创作。将文学评议转化为可读的视听评议结构，并将导演的一切艺术构思溶入到分镜头剧本之中。
有的导演并不写作分镜头剧本，只编写导演台本或导演场景本，导演到了现场之后，再根据实地排练的情况，进行现场分镜头，特别是一些具有丰富拍摄经验的导演多采用这种做法。这种做法比较符合实际。在现场排练时，还可能产生一些新的想法，引起即兴创作。另外，也有的导演喜欢运用多机拍摄的方法，这种镜头的分切组合，多在后期的剪接台上完成，运用这种方法的导演，多为比较成熟的导演。对于新手来说，还是事先写好分镜头剧本为好，这样可以作到心中有数，临场即使有所变动或即兴发挥，也不会感到心慌，有备而来，总比无准备匆忙上阵为好。
二、拍摄阶段
导演的分镜头剧本，仅仅是一次较为接近视听评议的文字处理，导演的艺术构思还只是体现在文字上，还未见银幕或屏幕上的形象，现场拍摄才真正算得上真刀真枪的实战过程，是将文字转化为可见的影像的具体过程，也是将学理付诸实践和操作的过程。学理虽然是一样的，但凭藉导演的各自个性，即使是一个剧本，也会演练出银幕上的不同版本。
所以说导演又是一项操作性强的工作，特别表现在拍摄现场。现场拍摄是一项极为复杂的工作，导演要在拍摄现场将各部门的创作人员协调在一起共同完成创作任务。因此，在现场拍摄时，不仅要倾注全力来实现自己的艺术构思，而且要花大力气施展自己的组织才能，以提高工作效率和艺术质量。
导演在现场按照分镜头剧本实施拍摄时，不可能像工程师在建筑工地上按照图纸那样分毫不差地施工。导演在现场拍摄中，除导演不作排练，让演员进行即兴创作外，多数导演都要进行反复地排练后才开拍。但是在排练中由于演员表演的启发，或者是摄影师的，或者是有关部门人员的提醒，或者是导演自己灵感的突然爆发，往往要对事先设计好的分镜头剧本进行改动，或者做出大的调整，甚至推倒重来，重新构思，重分镜头，进行临场的创作。
关于即兴创作的问题，几乎每个导演都会遇到。而这种突发灵感的即兴创作，常常是独具光彩的，它会对影片起辅助直至增色的作用，获得意想不到的艺术效果。作为导演决不可忽视这种即兴创作，把分镜头剧本当作是一成不变的东西。那样，不仅无助于临场发挥，反而会捆住了自己的手脚，作茧自缚。但是，导演决不可把希望完全寄托在这种临场发挥和即兴创作上。因为即兴的东西带有很大的偶然性，而且没有经过深思熟虑，所以并不十分可靠因此导演不可把成功之道完全寄托在即兴创作上。
三、后期制作阶段
这一阶段的主要工作是影片或电视剧的剪辑工作一次加工和提高的过程。
通过对工作样片和素材的剪辑，也是对剧本又剪辑工作不仅仅是个技术过程，而更重要的是个艺术再创造的过程。导演通过对画面的分切组合，达到运用视听语言创造形象的目的。所以导演系的学生在拍摄实习阶段，都要亲自动手剪辑自己的影片，这对锻炼实际操作能力是非常重要的。
剪辑工作是以拍摄的图像和录制的声音为基础，参照镜头剧本，导演的创作意图，将分散的镜头，有序地、合乎逻辑地、富有节奏地组接在一起。在剪接台上，对影片的整体结构、节奏、语言，还可以重新进行调整和修改，使全剧和局部的结构更加严谨和流畅，奏更加明快和有起伏，同时了解是否体现了自己的艺术构思，把握的是否准确和到位。
剪辑过程一般要经过初剪、细剪、精剪三个阶段，经过反复推敲、调整，最后把整体结构确定下来，以便转入录音工作。
总之，导演对剪辑工作要精益求精，决不可掉以轻心。有人说，剪辑可以起到使一部电影起死回生的作用。此话可能有些夸大，但也不无道理。
后期阶段的另一项重要工作就是录音工作。导演与录音师一起运用音乐和音响效果与剪接好的画面进行合成，有人把它比喻为给画面穿衣戴帽。有些影片和电视剧由于音乐和音响效果配合得体、和谐，对情绪和环境的渲染起到很好的作用，为影视艺术的审美效果起到了增色的作用。
在后期制作过程中，还将涉及到作曲、乐队、演唱等诸多问题，以及动画、字幕、特技等人员的创作，导演对以上各个环节的工作都应提出设想和要求，以取得共识，力争达到艺术的统一。导演工作贯穿于整个摄制过程中，所以导演必须集中精力，以坚韧不拔的毅力，为了避免艺术上的失误，在摄制的全过程中就要全力以赴，不可迁就和凑合。
如果对艺术创作要求不严，此处马虎一点，彼处迁就一下，全片的艺术质量就会下降。导演一定要严把艺术关。导演的工作是复杂的、艰苦的，也是充满情趣的。只要全身心地投入学习，导演专业是可以学成的。只要有心，加上勤奋和努力，导演梦是可圆的。
作为电影或电视剧导演必须具有以下六方面的能力：
(一)清晰的口头表达和良好的文字表达能力
导演的艺术想象需要借助于摄影、美术、录音、表演等其他部门的合作才能完成。清晰的表达能力要求说话的人思维清晰，表达的意思逻辑比较严密，说话的语速不能太快，口音不能太重。文字表达能力也要很强，因为导演需要做大量的案头工作。拍摄以前要分镜头，写作导演阐述，拍摄完成后要写作导演总结。
(二)良好的心理承受能力
现代社会是一个竞争异常激烈的'社会，导演工作要面临一般职业没有的压力。投资动辄就是百万元以上，导演一旦进入拍摄，就有可能受到来自投资方的周期压力，与合作伙伴艺术观念的差异导致的冲突，媒体的批评，发行的失败，评奖不公正等等，这些压力如果不能承受，一个导演很难完成自己的工作。
(三)独立判断的能力
导演工作是一项艺术创作，艺术创作需要展示个人智慧，因此，导演的独立判断能力就显得很重要。比如一个创作方案，摄影从摄影的角度，都可以提出自己的想法等。一个导演如果没有独立的判断能力，就会无所适从。
(四)艺术的感受能力
面对各种问题的时候，演员从演员的角度，报考导演专业和其他一些艺术类专业比如音乐、美术、舞蹈不一样的是，不需要从小就接受专业训练。对导演的艺术特长通过艺术修养的测试来判断。所以必须对艺术作品有敏锐的感受力，并能够用清晰的语言把你的感受描述出来。
(五)细致的生活观察能力
生活是艺术的源泉，善于观察生活的人往往是热爱生活的人，对生活比较敏感的人。导演创作的作品要感染观众、感动观众。
(六)形象思维的能力
形象思维能力是每一处艺术创作活动都需要的。
导演艺术
1、电影导演所追求的是如何使银幕形象具有强烈的情绪感染力，深刻的思想性和完美的整体感。
2、导演艺术的独创性，不仅在于表现技巧或形式上的新颖，更重要的在于这种创新是建立在对生活的深入观察，感觉和理解的基础上的，因而是表现内容所需要的最恰当的表现技巧和形式，是内容和形式相统一并为广大观众所欣赏的。
3、导演十分重视电影文学剧本质量，因为它是影片的基础。
4、电影是一种集体创作的综合艺术。导演从文学剧本出发，形成他的艺术构思，并邀请最适合完成他的艺术构思的演员，摄影，美术，音乐，录音等各方面的创作人员组成摄制组来体现其构思。
5、导演是集体创作的核心，他对影片未来的银幕形象有全面的，完整的设想，也就是艺术上的总体构思。
6、导演艺术的水平，不仅表现在个人的造诣方面，也表现在他关于激发艺术合作者们的创作热情和创作想象方面。
7、导演艺术还表现在对影片的最后剪辑中，导演要将前辑看作创造性过程的一部分，而且是很重要的组成部分。
导演构思
在导演构思中，导演首先要确定影片的主题思想及其现实意义;影片的风格和样式;人物的性格冲突及其时代特征的所处环境;运用导演手段的基本原则;并对影片的情节线索似出总谱。导演构思并无固定模式，但它总是建立在导演对文学剧本的分析和对现实生活理解的基础上，由导演以丰富的创作想象，全面运用电影的形象思维来完成。
导演手段
导演为塑造银幕形象而运用的各种具体的表现手段包括：
1 、运用画面主体动作和摄影镜头运动，构成动的视学形象。
2 、运用蒙太奇技巧来处理画面，组接镜头，以突出重点，渲染影片的节奏。
3、 运用恰当的音乐，自然音响和人物的语言，与画面有机结合，以表达思想内容，丰富并加强形象的感染力。
4 、运用电影时间和电影空间灵活的伸缩性，变换场景，扩大或压缩环境的规模和过程的容量。
5 、运用光影，色调，色彩，以制造影片所需要的气氛。
拓展内容:当导演必须具备的思维
读解剧本的策略
在初读剧本时，有三个关键问题会浮现出来：
1、类型或曰故事形式是什么?每个故事形式都有不同的戏剧构架、人物呈现和情节设置。
2、谁是主要人物，其目标是什么?应该有一个目标明确、鲜明独特的主要人物。
3、人物弧线是什么?或者换言之，在故事中的经历会如何改变主要人物?你应该能够判定人物在故事开始时的状态，并明白随着故事的展开人物将如何变化。
在重读剧本时，应该回答另一组问题：
1、故事的前提(premise)是什么?故事的前提——有时被称为主干、主要冲突或驱动——最好是主要人物面临着两个对立的选择。这两个选择往往与叙事中呈现的重要关系有关。
2、前提与主要人物及其目标是否一致?应该一致。举个例子，如果《大审判》中的主要人物是一个成功的律师，那么为浪荡生活重赋尊严的前提就不会引起共鸣。前提与主要人物之间必须具备关联。
3、主要人物的转变是否可信、有意义、在情感上令人满足?
4、影片中的情节是什么，被应用得如何?从理想状态来说，当情节里嵌入与主要人物目标背道而驰的力量时，情节才能最有效地发挥作用。在《漫长的婚约》(A Very Long Engagement，2004)中，一个年轻女人无法相信她的未婚夫在“一战”中遇难了。战争的毁灭性，以及找到他破镜重圆的情节，似乎更近于幻想而非真实的可能性。除非情节在主要人物实现目标的道路上设置某种障碍，否则情节就起不了什么作用。再想想《泰坦尼克号》中那艘巨轮的航行，那是令情节卓有成效的典范。轮船沉没了，罗丝的爱情变成了回忆而非现实。在故事中设置情节可能是导演的短板，因此需要在这一方面下足功夫。
5、如何让代表前提那两个选择的次要人物与前提契合无间?他们是不是两个壁垒分明的阵营——帮助者与伤害者?某一个帮助者比其他人更加重要吗?何以如此?反派会是所有人物中最至关重要的一个，决定着主要人物反应的强弱、人物弧线的轨迹，以及我们在影片结尾对于主要人物的感受。反派越强大，我们主要人物最终予人的感觉越像英雄。就其本质与动作而言，次要人物在剧本中起着特别的作用。他们的谐振越是贴近真人而非简单的故事元素，剧本就越丰富。尽管我们是通过主要人物来经历故事，次要人物却可以帮助剧本显得更加可信，更加引人入胜。
西部片也倾向于谈论价值观，代表着正面力量的田园牧歌式的渺不可追的过往，以及代表着负面力量的文明和进步。每一类型都有不同的形态。什么是戏剧弧线?它怎样服务于主要人物的目标?如果剧本没有亦步亦趋地符合类型期待，那么这些变化是令剧本更好，更新鲜，更有力度……还是相反呢?既然你已经读过两次剧本，做了丰富详实的笔记，下面就该三读剧本了。为了探索能够催生导演思维的剧本维度，三读剧本是必不可少的。
走向阐释
请把这一回合设想为文本阐释的应用。一个行之有效的办法是在下面提及的维度中揣摩故事的潜在可能性：生存的维度、心理的维度、社会的维度、政治的维度。每一维度都会编织出不同的故事。
导演在发展导演思维时可用的第二个棱镜是叙事与当下议题之间可能搭建的关系。每一个时间段都有自己时代一望可知的议题。比如，看看2005 年，彼时的大议题包括宗教在生活中扮演的角色、全球化、环境挑战、隐私权、平等(比如，在男性世界中女性的权利)，以及，当然，现代主义与传统之争。还有许多其他特有的、本土的议题，但是对这些大议题，应该在更加迫切的个人、民族和国际层面予以关注。
如果导演对于社会充满激情，时代议题就是解读剧本的一个棱镜，与剧本息息相关。这些议题也给了导演一个平台，来表达他或她的个人信仰，或者给了导演一个工具，来吸引观众。时代议题能够以一种特殊的方式落实在导演思维上。史蒂文索德伯格经常借用时代议题让自己的叙事更加引人关注。权力及其搭档——腐败——驱动着《毒品网络》这个有关毒品的故事。索德伯格的复仇故事《菩提树下》的核心则是父母之道。在文本阐释中考虑时代议题有助于拓展导演思维。
能够传达导演的观念的声音表达，则是另一个手段，推动导演从文本阐释走向导演思维。声音可以很充分地反映导演的性格。斯坦利库布里克对于人类进步的看法是野心勃勃的、反讽的、充满激情的。技术或科学观点认定人类在不断进步，库布里克却不以为然。科恩兄弟也秉持着库布里克式的怀疑主义，但是他们在就此陈述看法时，态度要戏谑得多。
有些导演对于声音的问题认识得很清楚，对于他们来说，观点的传达要优先于戏剧考量。他们会选择以声音为取向的故事形式——特别是讽刺剧、历史剧、寓言和非线性的故事。这些类型无一例外，均运用了保持距离的策略，比如反讽，以免我们与主要人物产生认同和情感代入。其结构也有助于我们与主要人物保持距离。观众在观看时不会与人物产生情感上的认同。导演与观众的关系更为直接，因为没有观众与主要人物的情感关系介入其中。声音表达是用来发展导演思维的最直接的工具。
说导演思维的发展过程之中并不包含宣传营销的考虑，未免太不诚实了。除了声音之外，在发展导演思维的过程中，宣传营销是导演最上心、最深思熟虑的考量。对于导演来说，这可能是单一因素中最具影响力的一个。轰动意味着票房。轰动可以由情节、性的潜文本、暴力的潜文本，或者夸张的基调或风格来制造。在昆汀塔伦蒂诺(《杀死比尔》[Kill Bill，2003])、贝纳尔多贝托鲁奇(《戏梦巴黎》[The Dreamers，2003])、吴宇森(《碟中谍 2》[Mission Impossible II，2000])和阿德里安莱恩(《致命的诱惑》[Fatal Attraction，1987])的作品中，癫狂无度和商业主义历来如影随形。在导演思维的发展中，宣传营销是一个强大的形塑力量。
选择导演思维
你已经完成了一个完整的剧本分析，确定了是故事的哪一方面引你入内，现在你有五个选择来构建导演思维。每一个选择都提供了一条不同的路径;聚焦于以下几点之一：
1、人物弧线——以主要人物及其转变为工具。
2.、戏剧弧线——情节是驱动力。主要人物与反派的斗争决定了戏剧弧线的走向和形态。
3、潜文本理念——叙事可以平铺直叙(比如《亚瑟王》的浪漫的高贵)，也可以繁复纠缠(比如《沉默的羔羊》)。在凸显潜文本的过程中，人物弧线和戏剧弧线都被纳入了潜文本。
4、声音——举例来说，涉及战争(比如，马利克的《细细的红线》)、家庭价值观(比如，科恩兄弟的《抚养亚利桑纳》)或者民族侧影(比如霍兰的《欧罗巴，欧罗巴》[Europa Europa，1990])的导演思维，会主宰叙事结构。
5.、你生命中最深层的价值观——有些导演的精神个性是在其切入叙事的手法中揭示出来的，比如：让雷诺阿(Jean Renoir)影片中的人道主义;伊利亚卡赞对于阶级、种族和代际差异的不无争议的构建;罗曼波兰斯基探索生存之孤独的视界;以及谢尔盖爱森斯坦的马克思主义美学。
一旦你的导演思维被界定，你需要把指导演员的手法概念化，把切合你的导演思维的摄影策略也概念化。记住，你的手法越是多层次，就越有创造性，同时也要甘冒一定的商业风险。
;‘捌’ 威力导演13如何放大图片素材还保持图片原来的图像
网络sou索威力导演TCG —很高兴为您解答！ 楼主你好！
楼主指的是？形状保持不变还是质量？如果是质量呢，不降低其像素是没可能的....除非是矢量图....如果想保持图片原来的图像呢，设置不拉伸可以了。